Le dessin et l’imagination

Le dessin et l’imagination font très bon ménage. En effet, dessiner ce que notre cerveau nous dicte, parfois même inconsciemment, est souvent lié à notre habitude à observer différemment ce qui se trouve autour de nous.

Le dessin et l'imagination - Siger BZH
le dessin et l’imagination

Qui n’a pas levé les yeux vers les nuages pour voir apparaître toutes sortes de formes. Animaux, objets, personnages, l’imagination se met en marche… parfois un regard dans une flaque ou ici dans les branches d’un buisson nous entraîne vers tout un univers imaginaire…

Qu’il est plaisant de laisser courir son imagination pour dessiner.

L’imagination semble innée pour certaines personnes. Mais j’entends ou lis fréquemment “comment puis-je améliorer mon imagination“, voire “je n’ai pas d’imagination“. Cela semble si difficile à développer. Pour ma part, elle est devenue une habitude que je nourris régulièrement. Aujourd’hui, elle est pratiquement devenue naturelle.

Si vous souhaitez booster votre créativité, sachez qu’il existe un lien entre elle et l’imagination. En effet, on réalise souvent ce qu’on a d’abord imaginé. Un artiste imaginatif voit des possibilités partout et capte continuellement des informations pour les exprimer dans ces œuvres.

Quelques exercices pour développer le dessin et l’imagination

Pour développer votre imagination, vous pouvez commencer par réaliser un simple gribouillage. Souvent fait de lignes courbes entremêlées, celui-ci pourra vous transporter et vous faire penser à quelque chose. Essayez de trouver des bribes de personnages ou d’objet à l’intérieur ou sur les contours de votre gribouillis. Vous verrez, cet exercice suffit déjà à faire apparaître des formes étonnantes.

La lecture est également un exercice particulièrement riche qui permet de développer notre imagination. Elle alimente nos idées, mais également met en fonctionnement un mécanisme qui produit des images liées aux mots et aux émotions. Elle est un formidable outil quand on cherche à développer notre imagination pour le dessin. N’est-ce pas ?

La visite d’un musée ou d’une exposition pour s’enrichir du travail des autres artistes, les balades, la lecture, le voyage… autant de sujets inspirants qui participeront à l’élargissement de votre sens créatif. Découvrir de nouvelles images parfois insoupçonnées, de nouvelles idées… c’est aussi de cette façon que notre inspiration se réveille et nous guide pour créer l’univers que l’on souhaite voir apparaître en dessin ou peinture.

Écoutez les enfants, regardez les jouer, observez leurs dessins et demandez-leur ce qu’ils ont voulu représenter, l’histoire qui va avec… vous serez certainement étonnés par cette forte capacité qu’ils ont développée dès leur plus jeune âge. Contrairement à certains adultes, ils n’ont pas encore bâti de barrières à cet univers onirique. Merci les enfants de nous donner cette leçon 😉

Conclusion

Associer le dessin et l’imagination ouvre des possibilités infinies. Ce sont de très bons exercices que j’aime pratiquer. C’est en quelque sorte une habitude qui après quelques esquisses vous étonnera. Laissez-vous guider, par cette curieuse façon d’observer et en y jouant régulièrement, sans vraiment chercher, ce sont ces formes, ci-et là, qui vous appelleront.

Je vous invite à visiter ma galerie imaginaire ici : https://www.plaisirdudessin.com/galerie-siger/

Et puisque nous parlons d’imagination, voici deux citations que j’aime beaucoup :

La logique vous mènera d’un point A à un point B. L’imagination vous emmènera où vous voulez. – Albert Einstein

Le monde de la réalité a ses limites ; le monde de l’imagination est sans frontières.” – Jean-Jacques Rousseau

Avez-vous cette imagination créative, quel conseil donneriez-vous ? Merci de poster votre commentaire juste en dessous de l’article !

Dessiner des personnages imaginaires

Voici quelques esquisses rapidement exécutées pour rechercher et dessiner des personnages imaginaires.

Parfois, on souhaite démarrer un nouveau dessin, mais on ne sait pas toujours ce que l’on veut représenter. Alors, avant de se lancer directement sur son support, il est intéressant de prendre un peu de temps pour faire quelques esquisses. Celles-ci vont orienter notre choix et développer nos idées au fil des croquis.

Un thème et des mots-clés

Esquisser régulièrement permet de travailler son imagination. Pour cela, vous pouvez prendre quelques mots-clés avant de commencer à dessiner. Ici, par exemple, je veux dessiner des personnages imaginaires sur un thème assez précis : triton, sirène, voire colosses, statues… c’est quelques mots me donnent une ligne directrice et évite de m’égarer. Ensuite, on attaque les premiers traits comme ici deux statues “marines” avec une ouverture sur un temple… quelque chose dans ce goût-là.

Comme je veux dessiner des personnages imaginaires, j’ai besoin de booster mon imagination en enchaînant les esquisses. Petit à petit, les traits vont en appeler d’autres et parfois une nouvelle idée plus nette va surgir. Ici l’idée précise du triton sortant de l’eau est apparue intuitivement après les esquisses précédentes.

Travail de recherche

Toutes ces esquisses à la mine bleue sont réalisées sans modèle; au feeling. Bien sûr, ce ne sont que des croquis, loin du résultat final. Même si j’aime bien embellir un peu celles-ci, ce n’est pas ce qu’on recherche dans ce travail d’esquisses. Il est préférable de ne pas être trop précis, de dessiner trop beau, mais seulement griffonner pour faire fonctionner le mécanisme de la créativité artistique. Ce que l’on cherche, c’est un guide à la décision. Pour moi, ce travail de recherche est une phase importante avant la réalisation d’un pastel ou d’une peinture par exemple.

En réalisant quelques esquisses les unes à la suite des autres, on s’aperçoit que la magie opère dans notre cerveau et que, petit à petit, le choix s’installe. Cette méthode est idéale pour dessiner des personnages imaginaires, des postures, inventer de nouvelles créatures ou des décors par exemple.

Pourquoi utiliser la mine bleue ?

J’utilise cette couleur bleue pour son côté agréable lors de mes esquisses. De plus, je ne peux pas facilement la gommer ce qui me force à travailler mes dessins d’un seul jet sans revenir dessus. Je trouve qu’ainsi, l’inspiration est meilleure. Cette technique augmente ma créativité artistique. Bien sûr, c’est une question de choix 😉

Le saviez-vous ? Les mines bleues étaient utilisées pour le dessin d’animation. Cette couleur n’était tout simplement pas révélée par les photocopieurs de l’époque. Cela permettait de faire des esquisses, puis d’encrer les planches sans avoir besoin d’effacer la couleur bleue et que les traits d’ébauche n’apparaissent. Aujourd’hui elle reste tout de même fréquemment utilisées dans le milieu de l’art et notamment pour la bande dessinée. Utiliser ce genre de couleur est facile à isoler avec les logiciels de retouche d’image. On ne garde ensuite que ce que l’on souhaite faire apparaître.

N’hésitez pas à écrire un commentaire ! Merci 😉

Plus de tutos pour apprendre à dessiner par ici : tutos dessin

Ebook – Apprendre à dessiner les animaux de la ferme

Vous souhaitez apprendre à dessiner les animaux de la ferme ?

Ce livre est fait pour vous !

Apprendre à dessiner les animaux de la ferme

Grâce à des méthodes faciles basées sur des formes géométriques simples et de “pas à pas”, vous allez progresser en dessin rapidement !

Vous trouverez dans ce livre numérique de nombreuses astuces et illustrations.


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Ce qui vous attend dans cet ebook :

Passionné, je vous donne des conseils simples et efficaces pour vous aider à vous améliorer dans le dessin. Ce livre vous propose un éventail de beaux animaux de la ferme qui, vous le verrez, peuvent être très simple à réaliser.

Pour bien commencer : vous trouverez des conseils sur l’environnement quand on dessine, le support, le matériel, les étapes (pas à pas), quelques bases pour dessiner, la tenue du crayon, le coup de crayon…

Apprendre à dessiner les animaux de la ferme : de nombreux “pas à pas” pour dessiner la poule, le coq, le poussin, le canard, l’oie, le lapin, le lapin debout, l’âne, l’âne de face, le cheval, la tête de cheval, le cochon, le mouton, l’agneau, la chèvre, la tête de chèvre, le chevreau, la vache… Vous trouverez dans ce livre de beaux modèles de dessins d’animaux simple à réaliser !

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Voici un petit aperçu :

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Si l’extrait n’apparaît pas dans votre navigateur internet, cliquez sur l’image “pdf” ci-contre.

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Lire les avis…

5 étapes pour réaliser une peinture murale personnalisée

Oser réaliser une peinture murale personnalisée sur son mur !

Voici 5 étapes importantes pour réaliser une peinture murale personnalisée sur un mur par exemple.

1. Tout d’abord, réalisez quelques esquisses sur le thème que vous souhaitez voir sur votre mur. Ici je désirais une frise pour ma peinture murale personnalisée avec quelques motifs celtes et des entrelacs pour une transition avec l’autre pièce.

2. Recueillez les avis autour de vous. Par exemple grâce aux réseaux sociaux. C’est très important pour vous conforter dans votre choix, de lire les commentaires et de pourquoi pas de retravailler votre dessin.

3. Préparez le support en nettoyant la surface avec de la lessive Saint-Marc sans oublier de rincer. Parfois deux nettoyages sont nécessaires.

4. Travaillez, améliorez votre dessin en fonction des avis. Peaufinez votre modèle pour qu’il soit bien net et précis lors de la projection.
En vous aidant d’un vidéoprojecteur, projetez votre dessin sur le mur. Ici, j’ai juste utilisé la visionneuse de Windows. Attention aux possibles déformations si l’appareil n’est pas bien face à la paroi…

5. Il ne reste plus qu’à repasser à la peinture en vous aidant de votre modèle projeté. Prenez votre temps et appliquez-vous.
Pour terminer, éteignez le vidéoprojecteur et faites quelques retouches : corrigez vos lignes et ajoutez les détails.

Le tour est joué ! Vous avez une peinture originale à votre goût comme décoration.

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N’hésitez pas à poster un commentaire, je vous répondrai !

Au plaisir 😉

7 astuces pour améliorer son coup de crayon

Améliorer son coup de crayon et par la même occasion améliorer son dessin

Comment faire quand on n’est pas suffisamment à l’aise avec son crayon et qu’on le ressent rapidement sur son dessin ?

Le trait n’est pas net, précis, les courbes sont difficiles à réaliser, on a du mal à créer une forme simple rapidement, on a peur de louper notre dessin, de raturer ?

On gomme souvent et on refait les même erreurs les unes sur les autres. On manque tout simplement de confiance.

Tout le monde passe par ces moments de frustration, c’est pourquoi, je tenais à donner quelques exercices pratiques pour améliorer son coup de crayon et par conséquent progresser rapidement dans la réalisation de vos dessins.

1 – Réalisez des esquisses régulièrement

Rappelez-vous que réaliser des esquisses est un apprentissage et que c’est par cet apprentissage que vous progresserez. C’est la pédagogie de l’essai/erreur.

La pratique régulière est notre meilleure alliée pour progresser. Mais attention, répéter les mêmes erreurs empêche d’améliorer son coup de crayon.

2 – Eliminez la peur de perdre votre feuille de dessin

Tout d’abord, le plus important réside dans le « lâcher-prise » et la tenue du crayon :

Dites-vous que ce n’est qu’une feuille d’esquisse. Pour ne pas avoir cette petite sensation de manque, n’hésitez pas à en avoir plus que prévu sous le coude. Cette peur de manquer de papier nous empêche de nous lâcher et d’exprimer notre potentiel. C’est en faisant qu’on apprend !

Pour mes croquis, j’ai toujours près de moi du papier bas de gamme ou un bloc d’esquisses le plus bas prix. Cela m’évite de penser au gaspillage et de poser pleinement mon attention sur le dessin.

Pour moi, l’idéal est de travailler sur un format A4 (21 x 29,5 cm). Ce format est pour moi un minimum car plus la feuille est grande plus mon coup de crayon rimera avec souplesse et amplitude. Plus le format est petit moins les traits et les courbes vous sembleront aisées.

Certains dessinateurs trouveront tout de même de l’aisance dans des petits formats car adapté à leur style ; chacun fera son propre choix. L’important est de tester les différents formats et de ne pas hésiter à croquer et à ressentir celui qui vous procure le plus de liberté.

J’ai écris un article au sujet des format ici : Quel format choisir pour le dessin ?

3 – Ressenti et détente musculaire

Prenez votre crayon préféré (crayon HB pour moi ou mine bleue), mais cela peut être un stylo bille, un feutre, etc…

Apprêtez-vous à dessiner ou même commencer à dessiner un simple rond sur votre feuille.

Pendant cette première étape, essayer de ressentir ce qui se passe dans votre main, vos doigts voir même le long de votre bras et de votre épaule.
Crispation, tension, quelles parties de votre corps posent sur la table, votre recule par rapport au dessin, etc…

Essayer de sentir maintenant les bons côtés : Ouverture, aisance, recule suffisant, relâchement, détente, etc…

Chacun est plus à l’aise dans telle ou telle posture. Trouvez la vôtre,  celle où vous vous sentez le mieux, le plus à l’aise.

4 – N’essayez pas de tout dessiner, c’est un croquis !

Une première source de difficulté réside dans l’envie de vouloir tout représenter et ensuite d’avancer petit à petit.

Pour améliorer son coup de crayon, il est préférable de porter son attention sur l’essentiel. Les formes de bases qui construisent votre dessin.

Ne dessinez pas tous les détails, gardez ce qui représente le plus important du sujet à vos yeux.

5 – Dessiner des lignes bien droites et précises

Voici un bon truc de dessinateur : Une méthode pour réussir à tracer un trait droit et précis consiste à marquer un premier point de départ (A) et un second point d’arrivée (B).

Pour relier ces 2 points, posez votre crayon sur le point A. Fixez maintenant le point B et sans regarder votre crayon, dessinez votre trait d’un seul geste.

Votre trait traversera le point B. Étonnant non ?

6 – Imaginez votre trait avant qu’il ne soit dessiné

Une des techniques que j’utilise est de visualiser mon trait avant même de le dessiner. Pour aller du point A au point B, je fais survoler mon crayon à 2 millimètres au-dessus de ma feuille.

Après quelques allers-retours et quand je pense « avoir » trouvé le bon chemin pour mon crayon, je dessine d’un trait net est précis ce que j’avais visualisé.

Croyez-moi, vous serez étonné du résultat.

7 – Embellir son esquisse

Quand on regarde son esquisse, elle paraît souvent vide et plate. A nous de lui donner un peu plus de valeur !

Quelques trait soutenus : Au départ, vous pouvez utiliser un crayon léger pour réaliser une pré-esquisse, puis repasser les grandes lignes avec un crayon plus soutenu. Mettez en valeur les lignes qui vous sembles importantes.

Quelques hachures judicieusement placées permettront d’embellir le dessin sans rentrer dans la finition. Ces hachures rapides sont aussi un bon exercice de vitesse et de précisions du trait.

Astuce dessin Astuces: Essayez de garder la même orientation des hachures et de ne pas trop en ajouter.

N’oubliez pas : Ne pensez pas terminer avant d’avoir commencé. Plus tard, vous pourrez faire vite et bien. Pour le moment, c’est “bien” avant tout !

N’hésitez pas à partager vos commentaires !

3 exercices pour réussir le dégradé

Faire un dégradé au crayon graphite :

Dessiner un dégradé, c’est varier l’appui de la mine sur le papier pour obtenir un “passage”, une “transition” d’une couleur à l’autre.

Je vous donne ici quelques exercices pour vous habituer à ce jeu de souplesse de la main.
Pour le début, n’utiliser qu’un seul crayon. Pour moi, le HB est parfait pour ces exercices.

1) Appuyer – Relâcher : Le nuancier

Nuancier réussir le dégradé

L’objectif est de s’habituer à varier la couleur du foncé au clair et inversement.
Faite un tableau comme j’ai dessiné ci-dessus sans Continuer la lecture de « 3 exercices pour réussir le dégradé »

Technique de composition du dessin

Qu’est ce que la composition du dessin ?

La composition du dessin, c’est placer les éléments pour mettre en valeur un objet, un détail ou un point important. Cette construction permet aussi de faire passer une émotions, de susciter l’interrogation, etc…

Souvent l’artiste cherche à mettre en valeur un sujet particulier, à donner une harmonie ou même une circulation au regard. Parfois, on parle de recherche d’équilibre des couleurs, des masses, des traits, des lumières, etc…

Le fait d’organiser son dessin en amont permet de gérer l’espace de votre support pour éviter par exemple qu’un objet prenne trop d’importance ou à l’inverse pas assez.

Vous pouvez donc jouer avec plusieurs techniques pour mettre en valeur votre dessin : La règle des 3 tiers, les plans, le point d’intérêt, la composition rectangulaire, triangulaire ou en cercle, les flous, etc…

La règle des tiers

Dans cet article, je m’attarderai particulièrement sur la technique des 3 tiers qui est en quelque sorte la base de la composition du dessin. Elle est la plus utilisée, entre autres dans le monde de la photographie. Mais sachez qu’elle n’est pas obligatoire. Elle est surtout facile et permet de nous aider quand on est en phase d’étude pour agencer notre futur dessin.

Cette technique de construction du dessin permet de placer nos éléments par rapport à un quadrillage sans que ceux-ci soient trop centrés.

Règle des 3 tiers - Grille et points de force

Cette division en 3 parties verticales et horizontales nous donne 4 lignes de forces et 4 points de force qui guideront le regard. Idéalement, on placera sur l’intersection des lignes de force l’élément que l’on veut mettre en valeur.

Pour vous exercer, faites 2 ou 3 petits croquis 15 x 10cm maximum et dessinez grossièrement une scène avec 3 ou 4 éléments : Un arbre, une maison, une ligne de crête, un animal, etc…

Composition du dessin - Règle des 3 tiers - Format horizontal

Astuce dessin  Astuces : Essayez avec votre format à l’horizontal mais aussi à la vertical. Aujourd’hui, les smartphones possèdent une fonction “grille” (dans les paramètres de l’appareil photo) qui peut être utilisée lors de la prise de vue.

Composition du dessin - Règle des 3 tiers - Format vertical

Lorsque vous prenez une photo pour ensuite la restituer en dessin ou peinture, rappelez-vous de cette règle des 3 tiers !

Astuce dessin Astuce : Même si vous avez oublié, vous pourrez toujours recadrer votre image par la suite. Soit avec votre logiciel préféré ou avec un simple quadrillage en carton que vous appliquerez par dessus.

Vous pourrez ainsi trouver la “meilleur” construction à vos yeux 😉

Et l’intuition dans tous ça :

Ce qui pour moi est important, c’est la construction de votre dessin par les émotions. Oui, en effet ! Rien de tel que de laisser son instinct, son intuition, guider le placement des éléments.

Que ressentez-vous ? Où préférez vous positionner tel ou tel élément ? Que voulez-vous mettre en valeur aux yeux de l’observateur ? etc… Posez-vous juste quelques questions et vous serez certainement surpris par l’habileté qu’ont nos émotions à faire les bons choix à vos yeux.

N’est-ce pas une des choses les plus importante dans la réalisation d’une œuvre : prendre du plaisir 🙂

Et si vous jetiez un coup d’œil aux autres tutoriels sur cette page ?

Matériel : Le dessin au crayon graphite

Apprendre à dessiner au crayon graphite : Le matériel

Matériel dessin au crayon graphite

Voici quelques conseils dans le choix du matériel pour dessiner au crayon papier ou si vous préférez au crayon graphite. J’ai pensé à publier un article sur le sujet car bien souvent je me suis rendu compte que beaucoup de personnes étaient surprises par la variété des différents crayons, des gommes et autres matériels utilisés. Alors voici une petite liste de matériel non exhaustive qui je pense permettra à certains d’agrandir leurs possibilités dans le domaine.

Le crayon graphite :

Vous l’aurez deviné, le premier outil du dessinateur est sans conteste le crayon à papier “HB” appelé parfois crayon “gris”. Simple et efficace. Pourtant la gamme du crayon graphite commence au 9H et se termine au 9B. “H” étant la gamme des mines dures (sèches) et “B” celle des tendres (grasses). Continuer la lecture de « Matériel : Le dessin au crayon graphite »

Quel format choisir pour le dessin ?

Quel format choisir pour votre dessin ?

Dans cet article, je vais vous présenter les bases des formats utilisés en art plastique, mais surtout comment choisir le bon format adapté à votre dessin.

Les bases pour commencer :

Les formats les plus courants sont le A4 (21 x 29,7 cm) et le A3 (29,7 x 42 cm). Ils en existe beaucoup d’autres. Ces 2 formats de papier sont internationaux (standard) et répondent à la norme ISO 216. Ils sont obtenus par division : On prend un format, on le plie en 2 dans la grande largeur et on obtient celui au dessous ! Par exemple le A3 divisé par 2 donne le A4 et ainsi de suite… Un petit schéma vaut mieux qu’un long discours : Continuer la lecture de « Quel format choisir pour le dessin ? »

Rendu du dessin : Le contraste

Faites ressortir votre dessin par Le contraste

Le grand problème du dessinateur est la peur de rater la belle esquisse qu’il vient de terminer. Souvent, il préfère s’arrêter en chemin et laisser de côté le rendu final.

Il existe cependant un tas de techniques pour améliorer le rendu de votre dessin : Les ombres et lumières, la perspective, les épaisseurs de lignes, les différents plans, la matière, voire même le mouvement, etc… toutefois, pour moi le premier point à travailler est certainement le contraste.

Alors c’est quoi le contraste ?

C’est l’opposition entre les choses. “L’interaction”, “la relation” des couleurs entre-elles. Chacune faisant ressortir l’autre. Continuer la lecture de « Rendu du dessin : Le contraste »